Os interessados devem ter acima de 18 anos e experíência comprovada em teatro musical. A inscrição é feita até o dia 27/05 pelo email zuzubalandia@maestrobrazil.com.br e os candidatos devem enviar foto, currículo e um link com gravação (you tube).

Maiores informações aqui.

Dupla se apresentou no número musical do Oscar deste ano.

Com letra e músicas de Frank Loesser (How To Succeed In Business Without Really Trying), o musical estreiou na Broadway em 1950, ganhando o Tony de Melhor Musical, e segue como uma das produções mais remontadas da história do Teatro Musical. A trama conta a história do apostador Sky Masterson que é desafiado a escoltar a missionária do Exército da Salvação, Sarah Brown, em uma viagem até Havana. Entre desencontros e brigas de gangsters, o casal se apaixona.

No filme, a atriz Vivian Blaine interpreta a solitária (e gripada) Miss Adelaide, responsável pelo adorável solo ‘Adelaide’s Lament’. Na época, a atriz disputou o papel com Marilyn Monroe, Betty Grable e Judy Holliday. Ainda sem diretor ou roteirista contratado, o projeto não tem data de estreia. A produção é da dupla Craig Zadan e Neil Meron, de Chicago.

De acordo com a publicação, Gyllenhaal e Pine estariam sendo cotados para viver príncipes irmãos que se apaixonam, respectivamente, por Cinderella e Rapunzel. Se a trilha do filme contemplar fielmente a do musical, a dupla cantará a cômica e apaixonada Agony. Segundo a site, os atores já teriam se encontrado com o diretor Rob Marshall em audições de canto.

Enquanto isso, Johnny Depp e Meryl Streep se preparam para mais um papel musical de suas carreiras. Depp (adicionando mais um Sondheim ao currículo depois de Sweeney Todd) viverá o Lobo enquanto Meryl Streep (Mamma Mia!) interpreta a Bruxa, papel imortalizado nos palcos por Bernadette Peters. O ator inglês James Corden, vencedor do Tony pela peça One Man, Two Guvnors, também já foi confirmado no elenco para dar vida ao Padeiro.

Composto a partir das teorias apresentadas pelo psicólogo Bruno Bettelheim em A Psicanálise nos Contos de Fadas, Into the Woods mistura contos infantis e expande estes universos para tratar de questões como ambição, amor e amadurecimento. Dentre as histórias que se encontram no bosque estão Cinderella, Chapeuzinho Vermelho, Rapunzel e João e o Pé de feijão.

Possivelmente por este motivo, quando a irmã de Gypsy nasceu, Rose deu a ela o mesmo nome da irmã, Ellen June, e rebatizou Gypsy como Rose Louise. E assim Rose (no caso, a mãe) ia dando seu jeito para ter várias certidões de nascimento de forma que nem as próprias filhas tinham certeza absoluta de qual era a sua idade.

Para quem tiver interesse em ver um ato da verdadeira Gypsy, segue uma versão ligeiramente atenuada, mas com direito a um recitativo intelectual, nesta cena do filme Stage Door Canteen de 1943, traduzido no Brasil como Noivas do Tio Sam.

Esta semana a Ziegpedia escolheu falar um pouco mais sobre a carreira do autor do musical Gypsy, Arthur Laurents:

Arthur Laurents

Arthur Laurents (1917-2011): O escritor, diretor e roteirista Arthur Levine assumiu o sobrenome artístico Laurents por acreditar que um sobrenome judeu poderia dificultá-lo a conseguir um emprego. Depois de se formar, Laurents começou a escrever para séries transmitidas pelo rádio e em 1945 escreveu sua primeira peça: Home of the Brave, que estreou na Broadway. Depois de escrever mais três peças, ele escreveu o libretto de dois grandes marcos no teatro musical: West Side Story (1957) e Gypsy (1959). Em 1960, estreou como diretor na Broadway, dirigindo a comédia Invitation to a March (1960), de sua autoria. Arthur ajudou a lançar uma então desconhecida Barbra Streisand ao estrelato, dirigindo-a no musical I Can Get it for you Wholesale em 1962. Foi indicado ao prêmio Tony 6 vezes, tendo ganhado em 1968, pelo livro do musical Hallelujah, Baby!, e em 1984, pela sua direção de La Cage Aux Folles. Laurents também escreveu dois romances: The Way We Were e The Turning Point. Ambos foram transformados em filmes de sucesso (no Brasil conhecidos como Nosso Amor de Ontem e Momento de Decisão, respectivamente) para os quais ele adaptou o roteiro.

Caso você queira saber mais sobre Arthur Laurents, leia este excelente artigo de nossa elegantíssima Mme. Brice.

Uma das canções mais divertidas de Gypsy é You Gotta Have a Gimmick, onde Tessie Tura, Mazeppa e Electra explicam a uma inocente Gypsy o que é preciso para ser uma boa stripper. Veja a cena do filme de 1993.

Electra escolheu seu nome de guerra por conta de seu ”truque elétrico” (mas talvez o fato de Electra também ser o nome de uma princesa na mitologia grega não seja mera coincidência). Mazeppa divide seu nome com o poema sinfônico de Franz Liszt, que conta a saga do herói Ivan Mazepa que cavalgou da Polônia até a Ucrânia (vale contar que não obstante ele ter feito essa proeza amarrado, ele também estava nu). E foi no nome da nossa terceira stripper, Tessie Tura, que a Ziegpedia buscou inspiração para o verbete da semana.

Tessitura: No canto, tessitura é o conjunto de notas que um cantor consegue executar sem esforço e sem prejudicar a qualidade do timbre. Enquanto a extensão vocal são todas as notas que um cantor consegue realizar fisicamente, a tessitura abrange somente as notas em que o cantor consegue executar com saúde e qualidade vocal. Numa obra musical, a tessitura corresponde à abrangência das notas de maior frequência.

Diego Luri, Sara Sarres e Marcel Octavio seguiram interpretando Shrek, Fiona e Lord Farquaad, mas o burro, interpretado por Rodrigo Sant’Anna na temporada do Rio de Janeiro, foi substituído por Fabricio Negri, que já era o cover do papel.

O ensemble foi recomposto com a adição de Marcela Dias como Elfa Sapateira, Rodrigo Morura como um dos Três Porquinhos, Kaio Borges como Lobo Mau e Darwin del Fabro como Guarda de Duloc. Além destes personagens eles também se desdobram em vários outros papéis como o coro de ratos sapateadores que acompanham Fiona durante a canção Morning Person.

O espetáculo segue com as mesmas marcações da estréia do Rio de Janeiro, mas como é comum acontecer em espetáculos de comédia, alguns improvisos acabam virando marca deixando a peça mais divertida a cada apresentação. Este é o caso da cena do casamento entre a Princesa Fiona e Lord Farquaad, que se tornou um dos momentos mais engraçados da peça, principalmente por conta da interpretação de Renan Mattos como um “padre maravilhoso com direito a peruca Chanel, maquiagem e tal” como ele mesmo anuncia numa cena anterior.

Veja acima algumas fotos dos bastidores e da apresentação do último Sábado (18).

Como o título indica, a viagem nostálgica pela São Paulo de antigamente é guiada pelas composições de Adoniran Barbosa, símbolo máximo do samba paulistano. Com texto de Juliana Lucilha, direção musical de Thiago Henrique, direção geral de direção de Milton Machado, elenco de 11 atores-cantores-bailarinos e uma banda ao vivo, o espetáculo traz clássicos como Saudosa Maloca, Trem das Onze, Tiro ao Álvaro e, claro, o Samba do Arnesto, entre muitos outros sambas que são a cara (e o coração) da cidade.

Confira um vídeo com cenas do espetáculo:

Os Boêmios de Adoniran fica em cartaz aos sábados e domingos, no Teatro da APCD, em Santana, até o dia 16 de junho.

Serviço: Os Boêmios de Adoniran

Teatro da APCD – rua Voluntários da Pátria, 547 – Santana (Próximo ao metrô   Tietê) – Sábados às 21h, domingos às 19h. Até 16 de junho.

Fotos: divulgação

Ram Dass (Leonardo Miggiorin) em A Princesinha

Nesse último domingo, dia 12 de maio, estreou em São Paulo o musical A Princesinha, uma produção nacional com canções inéditas que fez temporada em Campos do Jordão (SP) do final do ano passado ao começo desse ano. O projeto reúne em cena atores veteranos e 32 crianças da Fundação Lia Maria Aguiar, criada em 2008 também na mesma região.

A novela literária de Frances Hodgson Burnett de 1905 é uma reedição das histórias da pequena Sara Crewe publicadas em 1888 por uma revista americana infantil e serviu de base para o dramaturgo Rafael de Castro, cuja adaptação é primorosa na captação de um conto de fadas mais profundo e humanizado. Mas são as canções de Thiago Gimenes, que também assina a direção musical e a co-direção cênica, ao lado da coreógrafa Keila Fuke, que pontuam toda a originalidade da obra, previsível como toda fábula, mas surpreendente na concepção trazida pela produção nacional.

Tudo é grande em A Princesinha, desde o perfil clássico da obra aos cenários exuberantes de Duda Arruk. Os glamourosos figurinos são assinados por Carol Lobato, figurinista bastante requisitada nas produções de Möeller & Botelho, e a conta passa das 120 peças, transportando o público entre a colorida e exótica Índia e a cinza e clássica Londres. A iluminação, outro forte ponto do musical, é do famoso Paulo César Medeiros, e contribui fortemente para os grandes efeitos especiais, como uma forte chuva que determina o momento de virada dramática da trama. A produção é assinada por Leonardo Faé, que vem há 2 anos desenvolvendo projetos culturais com a Fundação Lia Maria Aguiar. Na equipe técnica, 70 profissionais garantem o bom funcionamento da gigante produção.

FUNDAÇÃO LIA MARIA AGUIAR

As crianças da Fundação Lia Maria Aguiar em cena

Fundada em 2008 na cidade turística de Campos do Jordão, a Fundação Lia Maria Aguiar atende cerca de 600 jovens, promovendo a inclusão socioeconômica, educacional e cultural de famílias de baixa renda da região da Serra da Mantiqueira. Os projetos promovidos pela fundação apostam fortemente no estudo da dança, da música e do teatro musical. Todos os anos, a fundação promove na cidade o Natal dos Sonhos, evento que une apresentações de artistas consagrados e os novos artistas formados pela fundação.

Sem vínculos com qualquer organização pública ou privada e sem fins lucrativos, a Fundação Lia Maria Aguiar também investe em ações de distribuição de brinquedos e alimentos a instituições beneficentes e famílias de baixo poder aquisitivo. É a arrecadação de bilheteria dos eventos culturais promovidos pela fundação que mantém o generoso projeto.

Para o grupo de teatro musical, 90 jovens com idades entre 08 e 21 anos descobrem seu potencial artístico, superam limites e aprendem todas as funções do gênero com uma invejável disciplina e comprometimento.

O MUSICAL

Mara Carvalho é Srta. Minchin

Alertando sobre valores como amizade, lealdade, fé, superação de dificuldades e todas as formas de amor, A Princesinha conta a história da pequena Sara Crewe (Maria Tereza Prezoto/Juliana Ferreira), filha do Capitão Crewe (Juan Alba), que, apesar de pertencer à alta sociedade, resolve explorar minas de diamantes para aumentar sua fortuna após o fim da 1ª Guerra Mundial. Para que possa seguir com a expedição, o capitão deixa a Índia e leva a filha para um tradicional internato de Londres, dirigido pela tirânica Senhorita Minchin (Mara Carvalho) e sua irmã, a Senhorita Amélia (Cris Ferri). No internato, Sara conquista todas as outras garotas com sua histórias fabulosas e que descrevem milagres, sendo aclamada como princesa, para o desgosto de Lavínia (Fernanda Reis), a garota invejosa do internato, e Minchin, que se revela ainda mais cruel quando a menina recebe a notícia de que o pai está morto e passa a dividir o sótão ao lado da também órfã Becky (Isadora Nunes).

Kiara Sasso faz uma participação especial como Maya, espécie de anjo que zela e protege Sara, estabelecendo relação maternal com a menina. Leonardo Miggiorin é Ram Dass, o sábio e bondoso narrador da história. O veterano Rodrigo Miallaret também faz uma participação especial como o advogado do Capitão Crewe e Tom Carrisford, um vizinho do internato.

O compositor e diretor musical Thiago Gimenes

Com 18 números musicais compostos exclusivamente para essa produção, o diretor musical, pianista, compositor e maestro Thiago Gimenes explicou ao Mr. Zieg como nasceu o projeto e como foi o processo de composição da trilha nacional, que rendeu até um CD, com renda de vendagem também revertida para apoiar futuros projetos da fundação: ‘Como o número de meninas no projeto é bastante superior ao de meninos, buscamos um texto que pudesse acomodar essas crianças. Eu já conhecia o trabalho da Frances Hodgson Burnett e o Léo (Leonardo Faé, produtor) lembrou-se do filme. Então, fomos atrás do texto e do livro e pedimos para o Rafael de Castro fazer a adaptação. Com o texto adaptado, eu comecei a fazer a composição das músicas, dividindo cena por cena e entendendo qual seria a defesa de cada um desses personagens, como nós conseguiríamos contar essa história através da visão de cada um desses personagens. O tempo de composição foi de três meses, para que gravássemos o CD e ele ficasse pronto um mês antes de nossa estréia em Campos do Jordão para mandar para a prensagem. Depois que os atores principais chegaram, eu adaptei as composições à criação feita por eles em cima de seus respectivos personagens e seus respectivos registros vocais. Como estamos falando de Oriente e Ocidente, usei isso também nas composições. Tudo o que é mais vivo e alegre vem da parte da Índia, remetendo a um som mais oriental. E tudo o que é mais triste, a parte mais difícil da personagem central foi representada por melodias mais dramáticas e com uma pegada rock’n roll, remetendo a Londres cinza em que a história circula. Mas a brasilidade do som também foi explorada, afinal a obra é toda cantada em português.‘

A coreógrafa e diretora cênica Keila Fuke

Segundo a coreógrafa Keila Fuke, todas as crianças do projeto foram testadas para os papéis principais. Para a montagem de Campos do Jordão, foram feitos dois elencos, com covers e swings para todos os personagens e, para São Paulo, a produção escolheu os atores mais disciplinados da temporada anterior para garantir o sucesso e domar a pressão de estar longe de casa. As crianças viajarão todo final de semana para São Paulo e voltam para Campos do Jordão no domingo à noite, pois tem escola durante a semana.

Outra mudança importante da temporada paulistana é a readaptação. Na montagem anterior, eram 3 gerações de crianças fazendo cada um dos papéis destacados. Agora, apenas duas gerações contam a história, que ficou mais enxuta e ágil para a temporada na capital. O elenco formado por 32 crianças e jovens, 6 atores veteranos, 10 músicos e 8 pit singers parece mesmo escolhido a dedo para dar corpo à história.

OUTRAS PRODUÇÕES

De acordo com Thiago Gimenes ‘com o crescimento dos musicais, nós precisamos descobrir e explorar nossa identidade no gênero‘ e é por isso que outras produções devem seguir a trajetória de A Princesinha.

A fundadora Lia Maria Aguiar

Ainda esse ano, estréia Uma Luz Cor de Luar, repetindo o sucesso da aliança entre atores veteranos e as crianças da Fundação Lia Maria Aguiar. Com composições exclusivas, o musical, também escrito pelo dramaturgo Rafael de Castro, conta a história de uma ilha onde só habitam pássaros e um único casal de seres humanos. No cenário, uma árvore gigante promete encher os olhos do público. A produção estréia em dezembro de 2013 em Campos do Jordão.

Mas as produções originais não param por aí. Gimenes adianta que estão no forno as produções de Gangues (com direção de Hudson Glauber) e Rua 46 (que mistura bossa nova ao teatro musical), além da temporada de Enlace no Rio de Janeiro e Uma Luz Cor de Luar em Campos do Jordão.

REPERCUSSÃO DO TEXTO DE BURNETT

Além da produção nacional, o texto de Frances Hodgson Burnett foi usado como base para três filmes, duas minisséries exibidas pela TV e um musical, com músicas de Andrew Lippa e letras de Brian Crawley.

Shirley Temple em A Princesinha de 1939

O primeiro filme, lançado em 1917, é silencioso, vide que apenas dez anos depois o cinema ganharia som com o clássico musical The Jazz Singer, estrelado por Al Jolson e sua emblemática blackface. O segundo filme, lançado em 1939, traz no papel principal a criança mais famosa do cinema americano Shirley Temple (ainda viva!) e marca o último filme da estrela em sua fase mirim. O terceiro filme, lançado em 1995, fez pouco sucesso de bilheteria, mas foi aclamado pela crítica e inclusive recebeu duas indicações ao Oscar de 1996.

Ambas minisséries, exibidas em 1973 e 1986 pela BBC e PBS respectivamente, foram muito fiéis à obra de Burnett e contavam a história da pequena Sara Crewe em 6 episódios. A versão de 1986 chegou a ser lançada em VHS e DVD. As duas versões para a TV contabilizaram grandes índices de audiência para suas épocas.

Já o musical de Lippa, nunca chegou à Broadway e foi recebido pelos críticos como melódico, com grandes números de dança e boa produção, mas apontado como confuso na concepção dos personagens, que foi considerada rasa. Críticos descreveram o musical como ‘muita coisa acontecendo ao mesmo tempo, desfocando a história do personagem central’. A trilha da produção foi lançada em 2010.

Confira uma galeria exclusiva de fotos da produção nacional. Fotos de Caio Gallucci.

SERVIÇO

A Princesinha fica em cartaz até 28 de julho aos sábados e domingos às 16h no Teatro Anhembi Morumbi.

Mais informações, acesse AQUI o site oficial da produção.

Zieg Veredito: Recomendadíssimo. Vale mais do que a pena levar toda a família. E guardem os nomes de Juliana Ferreira e Fernanda Reis, artistas jovens, mas com um nato talento que as garantirá uma longa e sólida carreira no teatro musical brasileiro.

Correria de um lado, aquecimento vocal de outro, entrevista para um programa de televisão. Isso tudo faltando apenas uma hora e quinze para começar o espetáculo. O texto de Mauricio Alves, além de ser um suspense, localiza a história nos anos 20, portanto a caracterização e figurinos são fundamentais e levam tempo. E enquanto alguns atores vão se maquiar, outros vão para o palco fazer as últimas marcações de luz. Microfones de lapela colocados, tensão nos rostos e frio na barriga. A atriz e produtora Julia Morganti se divide entre as várias funções, buscando um espaço pra respirar e se concentrar na sua personagem. O saguão começa a encher de convidados, o elenco vai passar o som e cantar as músicas compostas por Sarah Benchimol. Da cabine de som, a diretora Liane Maya faz as últimas considerações técnicas e orientações. Os contra-regras finalizam os últimos detalhes do cenário,objetos de cena e a banda está pronta para dar os primeiros acordes da noite. A cortina fecha, os atores voltam para o camarim e a porta se abre para o público entrar. Com muita garra e suor no rosto, a “cidade dos sonhos”, Rapsódia,  finalmente se prepara pra ganhar vida.

Esta foi a rotina de uma estreia que, graças aos Deuses do teatro, teve casa lotada. O musical fica em cartaz até 30 de junho e é mais uma produção que nasceu de forma independente, apostando numa dramaturgia e canções originais. A encenação, além de fugir de um padrão de “musical brasileiro” do qual estamos acostumados, investe numa linguagem expressionista e mistura vários elementos para contar essa história, inclusive o cinema.

Veja quem é quem em Rapsódia:

André Rayol – Jeremias
Rose Brant - Elisabete
Gabriel Leone - Patrio
Juliana Duarte – Manoela
Julia Morganti - Catarina
Mauricio Alves - Coné  
Tomas Quaresma - Brigite
Carmen Costa – Madame
Isabel Chavarri - Rubi
Ensemble:

Anna Mendes
Carol Fernandes
Bruna Caenazzo
Guilherme Guimarães
Eric Paixão
Ricardo Knupp

Crédito das fotos:  Stela Celano. 

 Serviço:

Rapsódia – O Musical
De 10 de Maio a 30 de Junho
Local: Teatro Solar de Botafogo – Rua General Polidoro, 180 – Botafogo
Horários: Sextas e sábados às 21h30 e domingos às 20h30
Preço: R$ 60,00 e R$ 30,00 (1/2)

É na década de 1950 que encontraremos não apenas os musicais mais conceituados e inspiradores, mas também a afirmação do gênero, que tomou de vez o caminho dos palcos para as telas de cinema!

Portanto, liguem o volume no máximo, fechem os olhos e desfrutem da viagem pelos anos dourados do teatro musical. Sem moderação!

10. I Still See Elisa e Wand’rin Star

Paint Your Wagon (1951)

Abrindo a nossa lista quase impossível, o musical da duplíssima Lerner & Loewe (Alan J. Lerner e Frederick Loewe): Paint Your Wagon. O musical aborda a Corrida do Ouro no estado da Califórnia e tem como protagonista um velho mineiro de nome Ben Rumson, que assume a terra e a batiza com o seu sobrenome: Rumson. Polêmico, o musical aborda a avareza humana, o preconceito contra imigrantes e a discriminação contra a mulher, que é produto de compra e venda entre os homens. Apesar de o musical não ter recebido boas críticas e nem ter feito sucesso na época de seu lançamento na Broadway, uma versão para o West End em 1953 foi mais bem sucedida. As canções tornaram-se standards, principalmente no Reino Unido e a obra ganhou as telas do cinema em 1969. Lee Marvin, o mais famoso ator de filmes de faroeste, protagonizou a versão como o velho Ben ao lado de Clint Eastwood, que assumiu o papel do americano Pardner (o mexicano Julio na produção original para os palcos). O roteiro para o cinema foi praticamente todo modificado. No musical, é o próprio Ben quem canta I Still See Elisa, pensando na morte de sua esposa. Nos vídeos, Clint Eastwood e Lee Marvin da produção cinematográfica de 1969, e Robert Goulet, num especial para a TV intitulado The Broadway Of Lerner and Loewe, exibido em 1962.

9.  Joey, Joey, Joey e Mamma, Mamma

The Most Happy Fella (1956)

Apesar de ser mais conhecido por Guys & Dolls e How To Succeed In Business Without Really Trying (Como Vencer na Vida Sem Fazer Força, atualmente em cartaz no Rio de Janeiro com direção de Charles Möeller e Cláudio Botelho), Frank Loesser ofereceu ao teatro musical o longo, mas impecável The Most Happy Fella. Com uma estréia de sucesso na Broadway (a produção original ficou mais de um ano em cartaz), o musical ganhou dezenas de produções desde sua criação, incluindo 3 revivals na Broadway (um deles apenas dois anos após o encerramento da temporada original), uma produção no West End, um especial para a TV e uma produção especial pela New York City Opera em 2006, já que a obra sempre foi avaliada como operística. Baseada na peça They Knew What They Wanted de Sidney Howard, a trama aborda em 3 atos o affair por correio que já dura 4 meses entre o velho Tony Esposito, um italiano que cultiva uvas na região de Napa County e a jovem Rosabella, uma garçonete de São Francisco. Tony recebe pelo correio uma foto da amada, que pede uma foto sua em troca. Então, Tony pede que Joe, um jovem e belo trabalhador de sua fazenda, lhe dê uma foto sua. Instaura-se assim um triângulo amoroso, quando Rosabella chega a Napa County para conhecer o amado. No primeiro vídeo, Seth MacFarlane para o especial BBC Proms de 2012. No segundo vídeo, Giorgio Tozzi, protagonista do revival de 1979, que foi filmado e exibido em 1980 pela rede americana PBS.

8. Many Moons Ago e Very Soft Shoes

Once Upon A Mattress (1959)

A comédia musical de Jay Thompson e Dean Fuller, com música de Mary Rodgers e letras de Marshall Barer traz uma receita quase infalível para o teatro musical: Um conto de fadas bastante cômico e absurdo com músicas hilárias e melodias que grudam na cabeça do espectador. Baseado no conto de Hans Christian Andersen The Princess and the Pea (A Princesa e a Ervilha), o musical garantiu todo o tipo de crítica em sua estréia, mas tornou-se instantaneamente um sucesso de popularidade. Sua trama leve, gostosa e com final feliz, como devem ser todos os contos de fadas, fez com que o musical fizesse a travessia do circuito Off-Broadway para o circuito On Broadway e desencadeasse uma produção no West End, uma turnê americana, um revival em 1996 e não apenas um, mas três especiais para a TV americana, todos com registros altíssimos de audiência. No primeiro vídeo, Harry Snow, o Minstrel da produção original do musical. No segundo vídeo, David Hibbard, o Jester do Revival de 1996.

7. A Puzzlement

The King And I (1951)

Clássico de Richard Rodgers & Oscar Hammerstein II, The King And I é baseado na novela literária de Margaret Landon Anna and the King of Siam, que narra a história da mulher empregada como tutora dos filhos do Rei Mongkut de Sião na década de 1860. Contratada por ele na tentativa de modernizar o próprio país, Anna estabelece uma relação de conflito e amor com o Rei e é essa grande história de amor, descoberta e respeito que dominou as críticas desde sua estréia. A produção original ficou três anos em cartaz e foi marcada como o último trabalho de Gertrude Lawrence, já bastante debilitada. A atriz morreu cerca de um ano e meio depois da estréia, sendo internada após desmaiar entre uma sessão e outra do espetáculo e falecendo alguns dias depois com o diagnóstico de câncer no fígado. Yul Brynner, ator que, assim como Lawrence ganhou o Tony, prêmio máximo do teatro americano, deu vida ao Rei em outras quatro produções além da original: no filme de 1956, no revival da Broadway de 1977 (quando finalmente acreditou estar na idade ideal para o personagem), no revival britânico de 1979 e no revival da Broadway de 1985, mesmo ano em que recebeu um Tony honorário e veio a falecer, depois de completar cerca de 4300 apresentações como o Rei de Sião. No mesmo dia em que Brynner celebrou sua quadragésima apresentação, ele foi diagnosticado com câncer de pulmão em estado avançado.

6.  The Sadder But Wiser Girl

The Music Man (1957)

Talvez a mais típica comédia americana da Era de Ouro da Broadway, The Music Man merece as inúmeras remontagens amadoras e profissionais que se seguiram após sua estréia oficial em 1957. O musical de Meredith Wilson ganhou ainda dois revivals na Broadway, uma produção no West End, um filme em 1962 e um especial para TV em 2003. A trama previsível traz um vigarista que aplica golpes em pequenas cidades, prometendo formar uma banda musical de jovens garotos e vendendo instrumentos e uniformes, para depois fugir com o dinheiro pago pelos pais, antes mesmo de ensinar uma única nota aos integrantes. No entanto, em River City, no tradicional estado americano de Iowa, ele se apaixona por uma bibliotecária e professora de piano, que poderá por fim aos seus dias de golpista. The Sadder But Wiser Girl resume a personalidade do protagonista Professor Harold Hill e suas intenções com Marian. No vídeo, a versão de Robert Preston, do filme de 1962.

5. On The Street Where You Live e I’ve Grown Accostumed To Her Face

My Fair Lady (1956)

Baseado no Pygmalion (Pigmalião) de Bernard Shaw, My Fair Lady é outro clássico da Era de Ouro dos musicais. E outro clássico a fazer passagem pelo Brasil, com duas produções nacionais. Uma franqueada em 1962 com a eterna Bibi Ferreira e outra em 2007, com direção do genial Jorge Takla. O musical de Lerner & Loewe conta a história de Eliza Doolittle, uma vendedora de flores que esbarra com o Professor Henry Higgins, um especialista em fonética que, ao se deparar com o forte e empobrecido sotaque da jovem, aposta que em seis meses pode transformá-la numa dama da alta sociedade. O musical estreou na Broadway em 1956 com Rex Harrison e Julie Andrews e permaneceu mais de seis anos em cartaz, um recorde na época. A produção do West End estreou em 1958 e contou com os protagonistas originais. A produção britânica fez temporada de cinco anos e meio. Para a versão cinematográfica, Julie Andrews foi desconsiderada pois não tinha experiência no cinema, perdendo o papel para Audrey Hepburn que teve sua voz cantada dublada, causando polêmica e frustração entre os que queriam ver o talento de Julie também na telona. Mas como o mundo dá voltas, no mesmo ano de 1964, Julie Andrews fez sua estréia no cinema com o filme Mary Poppins e ganhou um Oscar por sua atuação, concorrendo com a própria Audrey Hepburn e sua Eliza. No primeiro vídeo, Jeremy Brett (dublado por Bill Shirley) como Freddy em cena extraída do filme de 64 e, no segundo, ‘nosso’ Freddy Frederico Silveira, na montagem nacional. No terceiro vídeo, Rex Harrison que também originou o papel de Higgins na Broadway, ao lado de Julie. Para ver fotos da montagem brasileira de 1962, acesse AQUI o site da Funarte.

4. Edelweiss

The Sound Of Music (1959)

O último musical criado pela dupla Richard Rodgers & Oscar Hammerstein II é um clássico e já passou por terras brasileiras, angariando fãs que ainda clamam pela volta do musical, dirigindo aqui também por Möeller e Botelho. As memórias de Maria Von Trapp, a matriarca da família, inspiraram em 1956 um filme alemão intitulado The Trapp Family, que, por sua vez, inspirou o musical. Pouco foi alterado da história real e, com tantos elementos que integravam uma forte história à trilha impecável de Rodgers & Hammerstein II, The Sound Of Music (A Noviça Rebelde) não precisou de grandes efeitos para conquistar seu público e chegou ao topo do sucesso por sua simplicidade despretensiosa. É quando nos deparamos com musicais como The Sound Of Music é que lembramos que o objetivo principal no teatro musical é contar a história… Uma bela, forte e bem amarrada história. E segundo os críticos da época, os produtores tinham em mãos uma das mais belas histórias já escritas, enlaçando família, amor, crianças e a loucura nazista em meio a Segunda Guerra Mundial. The Sound Of Music já teve incontáveis remontagens ao redor do mundo, além de um revival na Broadway e dois revivals no West End. O filme de 1965 ganhou 5 Oscars, entre eles o de Melhor Filme e Melhor Trilha. Oscar Hammerstein II não chegou a ver tamanho sucesso de sua obra; ele faleceu cerca de nove meses após a estréia original do musical. Edelweiss é apenas mais uma música de gigante sucesso que o musical lançou e, devido ao sucesso da obra, muitos espectadores passaram a acreditar que a canção era uma velha música austríaca ou até mesmo o hino nacional da Áustria. A verdade é que Edelweiss, composta pela dupla, foi a última letra escrita por Hammerstein II antes de sua morte e soa como um adeus, não apenas de um capitão despedindo-se de sua amada pátria, mas de um gênio ímpar despedindo-se daquilo que desde de Showboat (1927), ele nos ensinou como ninguém a fazer: teatro musical. Nos vídeos, três versões distintas: a original de 1959, a do filme de 1965 e a brasileira, de 2009, com o galã Saulo Vasconcelos.

3. Luck Be A Lady e More I Cannot Wish You

Guys & Dolls (1950)

E tem mais Frank Loesser na lista! E a medalha de bronze fica para talvez o musical mais conhecido de Loesser: Guys & Dolls. Jogatina, noivado de 14 anos que não vira casamento, Exército da Salvação, Nova Iorque, Havana, apostas no jogo e no amor. Baseado em dois curtos contos de Damon Runyon, um expert em retratar os típicos personagens da Nova Iorque dos anos 30, 40 e 50, o musical foi um sucesso de público e crítica e vem angariando espectadores a cada remontagem. Além da produção original de 1950, que ficou dois anos em cartaz, Guys & Dolls teve 4 produções britânicas, 3 revivals no New York City Center, 3 revivals na Broadway e outras incontáveis montagens amadoras e profissionais, muitas vezes sob forma de concerto. A produção de 1950 ganhou os cinco Tony Awards das cinco indicações que recebeu, entre elas a de Melhor Musical. A produção de 1992 também ganhou o prêmio por Melhor Revival de Musical. Em 1955, um filme foi lançado, tendo como protagonistas Marlon Brando e Frank Sinatra, que, apesar de não se gostarem, garantiram o sucesso da versão. No filme, More I Cannot Wish You é apenas ouvida na trilha incidental, mas Luck Be A Lady foi e ainda é o carro-chefe da obra. Em 2006, Guys & Dolls ocupou a 23ª posição dos melhores filmes musicais de todos os tempos. No início desse ano, a Fox anunciou que adquiriu os direitos para um remake do filme, ainda sem previsão de estréia. No primeiro vídeo, Peter Gallagher como Sky no Revival de 1992. No segundo vídeo, a emblemática cena do filme, com o galã Marlon Brando (Sim, ele não cantava bem, mas quem liga?) no papel de Sky no filme de 1955. No terceiro vídeo, a doçura de John Carpenter como o avô Arvide, também no Revival de 1992. Guys & Dolls foi eleito o vencedor do prêmio Pulitzer na categoria Drama em 1951, porém a entrega do prêmio foi vetada naquele ano por problemas judiciais (Of Thee I Sing de George Gershwin e Ira Gershwin foi o primeiro musical a receber o prêmio em 1932).

 2. Goodbye Old Girl e Those Were The Good Old Days

Damn Yankees (1955)

A velha história de vender a alma para o diabo para que seu time vença a final de um campeonato ganha uma novo patamar aqui. No musical de George Abbott e Douglas Wallop, com música e letras de Richard Adler e Jerry Ross, Joe, um senhor de meia idade, fanático por baseball, mas fã de um time que não vence uma partida sequer, sonha com o dia em que o maldito Yankees (time nova-iorquino campeão) será derrotado por seu pobre e desiludido Senators. A situação é tão caótica que Joe proclama que venderia sua alma para que tal evento pudesse acontecer. É aí que entra o Sr. Applegate, o diabo em pessoa, e propõe transformar Joe em um jovem rebatedor que vai garantir a vitória do Senators. O homem aceita a proposta e se despede de sua amada esposa Meg com Goodbye Old Girl. No entanto, Joe sente tanta falta de sua esposa, que mesmo jovem, aproxima-se dela e, temendo que o trato seja desfeito, Applegate manda a fogosa Lola (sua assistente, disfarçada como a dançarina sulamericana Lolita Banana) para seduzir o jovem campeão. Mesmo assim, a tática não parece funcionar e é durante a hilária Those Were The Good Old Days que o diabo confessa que antigamente era muito mais fácil conseguir almas para o seu quentinho inferno. O final (Cuidado, alerta de spoiler!) é típico de uma comédia musical e mostra que o amor vence até mesmo as forças mais demoníacas. Em 1958, foi lançada a versão para as telonas do musical, que contou com a presença de todos os atores que originaram os papéis principais na Broadway, com exceção do jovem Joe. Damn Yankees ganhou sete das nove indicações ao Tony Awards, incluindo Melhor Musical, Melhor Ator (Ray Walston), Melhor Atriz (GwenVerdon) e Melhor Coreografia (Bob Fosse). O musical chegou ao West End em duas ocasiões: 1957 e 1997. Em 1967, a rede americana NBC exibiu um especial e em 1994, o primeiro revival do musical na Broadway sofreu severas alterações. Em 2008, a série Encores! do New York City Center apresentou a obra de forma mais fiel à produção original. Existem boatos de que um remake será produzido com Jim Carrey no papel do demoníaco Applegate. No primeiro vídeo, Robert Shafer em cena do filme de 1958. No segundo vídeo, Ray Wilston para o álbum original do musical em 1955. E no terceiro vídeo, a maestria de Sean Hayes para o especial da série Encores! de 2008.

1. Something’s Coming e Maria

West Side Story (1957)

Medalha de ouro para West Side Story! Apesar de Something’s Coming e Maria serem as músicas mais cantadas (juntamente com a nossa 5ª posição) por candidatos em audições para musicais aqui no Brasil e em todos os outros países do globo (fica a dica… pra não cantar! Ache material inédito e surpreenda sua banca), essa colunista que vos fala não conseguiria ter um sono tranquilo se não honrasse o tamanho da obra nessa humilde, porém justa lista. O musical conseguiu reunir um time ultra estelar de criadores, sendo o libretto de Arthur Laurents, a música de Leonard Bernstein, letras do então novato Stephen Sondheim e coreografia e concepção de Jerome Robbins. A base da trama é a história de amor mais conhecida de todos os tempos: Romeu e Julieta de William Shakespeare. Porém, a localização é o Upper West Side de Nova Iorque, o período é década de 1950 e a inimizade mortal é entre os latinos e americanos polacos. No lugar de Romeu, entra Tony. No lugar de Julieta, assume Maria. E na trilha irretocável, mais de 20 clássicos imortalizados. 41 personagens com nome, background e conexão direta com os personagens da obra do dramaturgo britânico. Um filme em 1961, vencedor de 10 Oscars e o segundo na lista de melhores filmes musicais de todos os tempos (a primeira posição é ocupada por Singin’ In The Rain). Incontáveis produções profissionais e amadoras, entre revivals, produções nacionais, internacionais e regionais. Uma das trilhas mais regravadas por artistas de todo o mundo. E uma nova data a ser lembrada pela História do teatro musical, depois de 1866 com The Black Crook, 1927 com Showboat e 1943 com Oklahoma!. West Side Story é a perfeita descrição de um book musical, a perfeita síntese do teatro musical contemporâneo e o coração da Era de Ouro da Broadway. No primeiro vídeo, Richard Beymer (dublando a voz de Jimmy Bryant) em cena extraída do filme de 1961. No segundo vídeo, apesar das imagens mostradas serem do filme, a gravação é de Larry Kert, o Tony original. E no terceiro vídeo, nosso brasileiríssimo amado Frederico Silveira, protagonista impecavelmente escalado para praticamente todos os musicais clássicos montados em terras tupiniquins. A montagem nacional foi dirigida por Jorge Takla em 2008.

Seguem os lindíssimos bonus tracks que também merecem nossa atenção e, principalmente, nossa audição:

You’re So Beautiful That… – Top Banana (1951)

I’ll Buy You A Star – A Tree Grows In Brooklyn (1951)

Wish You Were Here – Wish You Were Here (1952)

Every Street’s A Boulevard In Old New York – Hazel Flagg (1953)

Fate – Kismet (1953)

No Other Love – Me And Juliet (1953)

It Feels Good – Me And Juliet (1953)

Alone Too Long – By The Beautiful Sea (1954)

Hey There – The Pajama Game (1954)

The Man I Used To Be – Pipe Dream (1955)

Young And Foolish – Plain & Fancy (1955)

All Of You – Silk Stockings (1955)

I Met A Girl – Bells Are Ringing (1956)

Too Close For Comfort – Mr. Wonderful (1956)

Look At ‘Er – New Girl In Town (1957)

The Best Of What This Country’s Got – Whoop-Up (1958)

All I Need Is The Girl – Gypsy (1959)

Little Green Snake – Take Me Along (1959)

Nos vemos nos solos femininos da década de 1950. Já adianto que foi a lista mais difícil já feita… até agora!

Aparentemente, a devoção ao seu ídolo foi o que trouxe a imortalidade a Bolger (e foi quase fatal para Ebsen). A maquiagem criada para o Homem de Latas continha pó de alumínio que, a cada aplicação, ia se depositando nos pulmões de Ebsen, que também teve uma reação alérgica que culminou em sua hospitalização. Jack Haley foi contratado para substituí-lo e a maquiagem foi trocada. Curiosamente, na versão final do filme, ainda pode-se escutar a voz de Ebsen durante as reprises de We’re off to see the Wizard.

Você sabia que, antes do Espantalho, Ray Bolger fez muito sucesso na Broadway? Seus movimentos flexíveis e sua habilidade de dançar ad lib lhe renderam muitos papéis principais na década de 30, chegando a receber um Tony. Quer saber mais sobre a carreira de Ray Bolger ou descobrir o significado de ad libitum? A Ziegpedia te ajuda!

Ray Bolger

Ray Bolger (1904-1987): Filho de um pintor de paredes, o ator e dançarino americano Raymond Wallace Bolger descobriu o que queria fazer da vida quando viu o ator Fred Stone nos palcos de Boston, onde morava. Ele começou como dançarino no vaudeville, e seu estilo de dança ad lib solto e flexível logo o levou à Broadway, onde estreou em 1926 com o musical The Merry World. Em 1936 assinou com a MGM e estreou interpretando a si mesmo no filme Ziegfeld – O Criador de Estrelas. Seu personagem mais famoso foi o Espantalho no clássico O Mágico de Oz de 1939. Na década de 40 ele se dividiu entre os palcos da Broadway e as telas do cinema, ele voltou a trabalhar em Judy Garland em 1946 no filme As Garçonetes de Harvey e recebeu um Tony em 1949 por representar o papel título no musical Where’s Charlie?, reprisando este papel em 1951 no Revival e em 1952 na adaptação cinematográfica que no Brasil ficou conhecida como A Tia de Carlitos. Ele continuou trabalhando ativamente no cinema, na televisão e nos palcos até 3 anos antes de sua morte, em 1987.

Ad Libitum: Comumente abreviado para ad lib tem origem no latim e significa “livremente”. Normalmente se refere a um improviso. Quando aparece numa partitura, pode ter vários significados como, por exemplo, dando ao intérprete a liberdade de tocar a música no andamento desejado, mas sem alterar a melodia. Uma repetição ad libitum significa que um trecho da música deve ser repetida quantas vezes o intérprete desejar. No teatro o termo descreve momentos em que o ator deve falar o que o personagem falaria, mas utilizando palavras que não estão escritas no roteiro, comum em cenas mais dramáticas e sendo a base do teatro de improviso.

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